Recull de textos acumulats al llarg del temps, «proses poètiques que tenen les flors, que sempre m’han agradat, com a punt de partida», segons l’autora. Les flors li serveixen de metàfora per expressar idees i sentiments que es mouen en dos àmbits principals: «Les més íntimes d’amor i desamor, de maternitat, de sentiments», i d’altra banda, «les més polítiques i socials», una preocupació de compromís sempre present en la trajectòria de Roser Iborra. «La meva idea era que amb el mateix llenguatge es pogués parlar de tot», explica. La inspiració dels textos ve en alguns casos «de l’observació directa com a punt de partida».

Ana Istarú con La muerte y otros efímeros agravios renueva su compromiso vehemente con la vida, tocando el tema de la violencia desde sus más triviales formas, hasta el pavor organizado de la guerra. La muerte asume, en el poemario, dos faces difierentges: la nada, el aniquilamiento, el genocidio en esta porción específica del mundo que es Centroamérica, enfrentada a la otra muerte, la que no es más que un trámite fecundo e inevitable impuesto por natura, para consumar el rito recurrente de la existencia. Ana Istarú (1960) es una una poeta y dramaturga costarricense.

Sobre el amor, los sueños y otras cosas, es un libro de poemas distinto y rompedor. Alejado de los típicos convencionalismos de la concepción poética, utiliza esta como un medio de expresión comprometido con los valores tradicionales ya perdidos. El amor y sus diferentes mundos, el amor bueno o el malo y los sueños, que son también amor y desamor y la postre se convierten e otras cosas, buenas o malas. Será el destino de cada uno quien decida y dicte sentencia del paso por la vida. Un libro sobre el compromiso con el ser humano y sus virtudes.

El sexo de la risa tiene como objetivo principal la carcajada los diez segundos antes de romper a llorar. Queremos redefinir un orgasmo. Dar conciencia de que antes de cualquier tirita va una cantidad estricta de alcohol que ayudará a cicatrizar la herida, pero escocerá al aplicarlo. Ser partícipes del dolor. Adaptarlo, acoplarlo, moldearlo y finalmente: deshacerlo. Viene a dar conciencia de que fuimos la generación que cruzaba en rojo sin mirar, pero tenía miedo a enamorarse. A aceptar sin excusas que si no te has muerto un par de veces en la vida, es que no has vivido nada. Una palabra en el dorso de cada página: resucitar. Y a que creamos, otra vez, en lo que juramos no haber creído nunca.

Grecia es un libro con 152 poemas, más cinco de regalo, repartidos en 15 partes que no componen un índice común. “Este libro está roto y esta es la primera parte”, “Este diario está roto y esta es la segunda parte”, “Este cuaderno es un edificio en ruinas y este es el tercer piso”… y así se sigue fragmentando sucesivamente. “Grecia es lo que te queda cuando no te queda nada”, y es que tal y como la autora ha explicado en numerosas ocasiones, fue escrito para solventar la necesidad de materializar una pérdida que le perseguía. Ese es un punto fundamental de esta antología diferente, y aunque no conseguimos adivinar cuál es esa perdida, imaginamos muchas hipótesis. Las letras de Irene están cargadas de dolor y de pesar y eso es lo que las hace bellas. En Grecia corroboramos una vez más que la fealdad es a la verdad lo que las terrazas a la primavera. El encanto no está siempre en los pensamientos alegres y, aunque creo recordar que en un punto escribe “crie mirlos y me brillaron los ojos”, la Señorita X es mucho más de cuervos.

El poema sube y baja, se autodestruye, el poema sufre, ama y vive como hace la vida cuando se desnuda frente a otro poema, el poema se construye con una sonrisa tatuada en la eternidad.

La primera edició d’aquests Poemes de Kavafis en traducció de Carles Riba es va publicar el 1962. Aquest llibre va tenir un gran impacte en el món literari; el mateix Joan Fuster, per citar-ne un cas, va escriure que «poques vegades els versos del nostre poeta han aconseguit una fluència i una diafanitat, una gràcia i una destresa tan llisquents i tan voluptuoses com en aquesta traducció». Dels 154 poemes que conformen el corpus de l’obra poètica de Kafavis, Riba en va fer una selecció, gens capriciosa, de 66 poemes que abasten totes les etapes creatives del poeta alexandrí i tots els àmbits temàtics que va conreà: de la història i el passat recuperat als mots més eròtics, personals i introspectius.

Eva torna al paradís, però ara ho fa carregada de paraules, fruits de l’arbre del coneixement. L’arcàngel tremola i podem suposar que Déu també. La poesia d’Anise Koltz és cruel. Com ella mateixa diu, els seus versos no són productes estètics per cantar la bellesa del món, sinó que denuncien la insensatesa de la mort, l’absència de Déu, la despossessió del passat, la hipocresia dels sentiments i dels valors més admesos. Els seus poemes, breus, abruptes, «armats amb becs i urpes», s’envolen sota la llum apassionada del coneixement.

Llibre de poemes en català. Versos de l’esperança, versos d’amor i poemes al vent. «Què es pot fer avui amb un grapat de poemes que creus que no són exactament dolents. Abans, els poetes o aspirants, se’ls guardaven al calaix si l’editor no els hi feia cas. Gabriel Ferrater en va cremar molts de joventut, diuen. Tot això ha de crear a l’autor una sensació ambivalent, guardar-se les coses. Ara hi ha la constel·lació de petits i grans estels virtuals, internet, els blogs, las webs, etc., que ofereixen una alternativa. Fa temps vaig fer una selecció de versos que havia escrit lentament. Han quedat molts enrere, aquells poemes que llegeixes més tard i penses. I de tots aquells que em van semblar publicables n’he fet un recull, 4 Patis, que he anat publicant al blog de “Poemes al Pati”. El llibre està format per 35 poemes i quatre seccions. N’hi ha de totes les mides, amb tres o quatre horrorosament llargs. Potser que pel camí n’afegeixi algun de nou o que descavalqui algun de vell».

UMAR JAYYAM. Nació en Nisapur, en el Jurasán, en la segunda mitad de siglo XI de nuestra era, y murió en el primer cuarto del XII. Allí vivió dedicado a obtener sabiduría de toda clase, sobre todo de astronomía, materia en la que alcanzó gran excelencia. Durante el sultanado de Malik Sha fue a Merv, donde recibió grandes elogios por su competencia en ciencias, y el sultán lo colmó de honores. Cuando Malik Sha decidió reformar el calendario, Umar fue uno de los ocho eruditos designados para la labor; el resultado fue la era Jalali, un cómputo del tiempo que supera el juliano y alcanza la exactitud del gregoriano. Pese a sus éxitos, la audacia epicúrea del pensamiento de Umar hizo que nuestro poeta fuera visto con recelo por sus contemporáneos. Tras haber fracasado en su intento de encontrar otra providencia que el Destino, otro mundo aparte de éste, se dispuso a sacar el mayor provecho de él; y prefirió aliviar su alma a través de los sentidos aceptando las cosas tal como eran, antes que mortificarla inútilmente en aras de lo que podrían llegar a ser, Y así, lejos de constituir alegorías divinas, los placeres mundanos que Umar canta en su poesía son lo que afirman ser: su vino es auténtico zumo de uva; su taberna, el lugar donde había que beberlo. Todo ello, unido al jardín con las rosas en flor, constituye cuanto Umar desea en este mundo o espera del Paraíso.

Esta versión del poeta griego de Alejandría Konstantino Kavafis (1863-1933), realizada por José María Álvarez es la preferida de los lectores y ha sido reeditada en numerosas ocasiones.

Nikos Kazan tzakis inició su carrera literaria con la publicación—bajo el seudónimo de Karma Nirvami—de un desesperado conjuro de amor: Lirio y serpiente, publicado por primera vez en Atenas en 1906. Escrito a los veintidós años, fue inspirado por Kathleen Forde, una joven ir¬landesa de quien Kazantzakis se enamoró per¬didamente mientras recibía de ella clases de in¬glés y le leía al oído poemas de Byron y de Keats. Con ella consumó su amor a los diecinueve años, cuando se fugaron juntos a las cumbres del mon¬te Psiloritis (Ida), tumbados los dos—como los pastores de un idilio antiguo—sobre el suelo de tierra de la ermita de la Santa Cruz, bajo la mirada hierática y atónita de los iconos de Cris¬to y de la Virgen. Impetuosa, obsesiva, recalci¬trante a veces, de juvenil premura y agitada pa¬rataxis, la obra le atormentó toda su vida. A sus setenta años fue entregando todos los ejempla¬res que le quedaban al fuego. Pero no dejó de contarla entre sus obras, incluyéndola en las ane¬jas a su candidatura a la Academia de Atenas (1945) y al Premio Nobel de Literatura (1946).

La veu de l’inefable recull les poesies més destacades de Miquel Costa i Llobera (Pollença, 1854 - Palma, 1922) i il·lustra la trajectòria lírica que seguí el poeta mallorquí, des de l’etapa romàntica encetada a Poesia (1885-1907) i Tradicions i fantasies (1903), fins a l’eclosió definitiva del classicisme llatí d’Horacianes (1906) i hebraic de Visions de Palestina (1908). Els poemes, aclaridorament anotats, s’acompanyen d’una introducció centrada en la biografia i l’evolució estètica de l’autor d’«El pi de Formentor», comentaris dels poemes més significatius i una selecció bibliogràfica. La veu de l’inefable acosta al lector el misteri poètic d’una de les veus cabdals de la poesia catalana.

Guerau de Liost és el pseudònim que, com a poeta, utilitzà Jaume Bofill i Mates (1878-1933), una de les figures cabdals del Noucentisme. Els seus llibres foren La Muntanya d’Ametistes (1908), La Ciutat d’Ivori (1918), Somnis (1913), Selvatana Amor (1920), Ofrena rural (1926), Sàtires (1929)… L’evolució poètica de Guerau de Liost comprèn tres períodes, que en la present antologia —a cura d’Enric Bou— queden ben establerts: el primer és el de la seva adscripció militant al Noucentisme; el segon engloba la crisi dels ideals noucentistes, tant a nivell personal com generacional; i el tercer moment inclou les provatures poètiques més o menys relacionables amb l’avantguardisme, la crítica moralista de la societat del seu temps (Sàtires) i el retorn al seu interès poètic inicial (el Montseny), ara sota la influència del postsimbolisme. Això explica que, cap al final de la seva vida, Guerau de Liost refés completament el seu primer llibre, fins al punt que alguns poemes resultaren de fet nous. En aquest sentit, doncs, la selecció que oferim és un intent rigorós d’abastar tota la complexitat de la important obra poètica de Guerau de Liost.

Guerau de Liost és el pseudònim que, com a poeta, utilitzà Jaume Bofill i Mates (1878-1933), una de les figures cabdals del Noucentisme. Els seus llibres foren La Muntanya d’Ametistes (1908), Somnis (1913), La Ciutat d’Ivori (1918), Selvatana Amor (1920), Ofrena rural (1926), Sàtires (1927)… En aquest volum ens ocupem del darrer, Sàtires (1927), un conjunt de poemes de crítica moralista dels vicis i de les virtuts dels humans.

La estructura en el que estos escritos se nos ofrecen recuerdan la del «Matrimonio del Cielo y el Infierno» de William Blake. Como aquél otro gran poeta, su autor destila un manifiesto revolucionario, una defensa a ultranza de la poesía como arte por encima de la prosa y quizá por sobre otra cosa del universo. Tras estos textos que revelan la textura de su alma y de su credo teórico, las cartas recortan tramos de una vida que nadie conoce demasiado bien. Isidore Ducasse era uruguayo (nacido durante el sitio de Montevideo), pero el destino y su talento lo hicieron parte de las letras francesas. Fue entonces el Conde de Lautréamont, tan grande y tan rebelde como Baudelaire y Artaud. Una bocanada de su gloria, estas «Poesías y Cartas» del autor de «Cantos de Maldoror».

En 1963, el año de Rayuela y La ciudad y los perros, se publicó La pieza oscura, el tercer libro de Enrique Lihn. El poema que le da título introduce una nueva voz lírica, pero también narrativa, confesional y simultáneamente capaz de hacer nuestra, de verbalizar para nosotros una experiencia común: el descubrimiento de la sexualidad por unos cuantos niños y niñas que juegan en ausencia de sus parientes. Desde el comienzo se establece un tono de voz que en adelante reconoceremos siempre como rasgo particular de Lihn, y en este sentido, incomparable e inimitable. Enrique Lihn inaugura, y tal vez también clausura, la era de la desconfianza en la poesía hispanoamericana. Si el poema no puede cambiar el mundo ni convertirse en bien de consumo, si está fuera de la historia y al margen del mercado, tampoco es posible dejar de escribirlo. El poeta no es ya «pequeño dios» ni bardo que exalta las luchas de su pueblo. No es Huidobro ni Neruda. No es «mago» ni tampoco «antipoeta».

Fray Luis de León (1527-1591) desde joven se consagró a la iglesia, y tomó el hábito de San Agustín, habiendo ingresado en el convento de Salamanca, en el cual profesó el 29 de enero de 1544. En dicha ciudad siguió sus estudios con gran éxito y aplauso, habiendo sido graduado en teología en 1561, para al siguiente año ganar por oposición la cátedra entonces llamada de Durando, y algún tiempo después la de Sagradas Escrituras. Fue considerado como uno de los más sabios hombres de su tiempo, y no sin razón, pues conocía a fondo las lenguas orientales, y sus estudios abarcaban todo el campo del saber humano de entonces. Era un gran conocedor de la teología, especialmente la bíblica, y escribió varios comentarios en latín a diferentes libros de la Biblia. El conocimiento que tenía de las lenguas bíblicas (griego y hebreo) le facilitó el acceso a los textos originales. Junto a otros intelectuales, Fray Luis criticó las traducciones latinas de la Biblia, que respetaban poco los textos de la versión hebrea. Además de estas obras de carácter teológico escritas en latín, Fray Luis de León escribió obras en prosa y verso en castellano. Sus poesías fueron poco o nada conocidas mientras vivió, pues la primera edición que de ellas hubo fue la hecha por don Francisco de Quevedo, cuarenta años después de la muerte del maestro, la cual fue dedicada al Conde Duque de Olivares.

La vida de Larrea es una sucesión de coincidencias significativas, al modo del azar objetivo surrealista. Interpretó los accidentes de la misma (y de la sociedad en su conjunto) como la manifestación de una voluntad o necesidad superior, que hacía necesaria una enorme crisis material y espiritual (manifestada en las vanguardias y las dos Guerras Mundiales). Tras sus convulsiones emergería un Nuevo Mundo espiritual (identificado en buena medida con el Nuevo Mundo físico: América), del que varios artistas (Rubén Darío, Vicente Huidobro, él mismo) habían sido, conscientemente o no, profetas. Como poeta, su popularidad ha sufrido un sino singular: tras un inicio prometedor, su exilio hizo de él un práctico desconocido en España. Sin embargo, a finales de los años 60 un nuevo interés por el surrealismo y las vanguardias lleva a la publicación de la obra poética completa de Larrea (traducida en su mayor parte del francés), primero en Italia y luego en España, con el título de Versión celeste. Se redescubre así a Larrea, a quien muchos críticos proclaman entonces el mayor poeta de vanguardia español. Por la audacia de sus imágenes, estudiosos como Vittorio Bodini intentan adscribirlo al surrealismo, movimiento de cuyos presupuestos teóricos se siente, sin embargo, muy lejano. Tampoco prospera la tentativa de incluirle en la Generación del 27, pues no tuvo contacto con la mayoría de sus integrantes. En opinión del propio Larrea, la etiqueta que mejor le cuadra es la genérica de ultraísta, pues su trayectoria fue un intento constante de ir ultra ('más allá') del entorno vital y social que le oprimía. Tras su muerte, acaecida el 9 de julio de 1980, la obra de Larrea, sobre todo la ensayística, vuelve a una cierta oscuridad. Su poesía conserva su prestigio, pero constituye más un 'poeta de culto' que un artista realmente influyente. La deriva realista de la poesía española reciente y la dificultad exigente de sus versos han ayudado a que así sea.

Con clara influencia de García-Lorca, Luis García Montero y Luis Alberto de Cuenca, Juan Robledo se embarca en la aventura de escribir poesía en verso blanco y verso libre. Sus escenas, muy variadas y generalmente breves, combinan paisajes oníricos y fantásticos con la vida rutinaria. Destaca su capacidad de cambiar de estilos durante cada uno de los volúmenes apreciándose fácilmente diferentes fases de madurez como autor. En un tono actual y moderno es capaz de transmitir al lector sensaciones que se confirman minutos más tarde de terminar la lectura. La obra 'Dragón busca princesa para amistad o lo que surja'. En el tercer volumen de la serie Trapecios y tropiezos, rinde tributo a Luis Alberto de Cuenca. Con un carácter más desenfadado que en resto de la serie, tiende a mezclar humor y sátira con un tono muy particular. Gracias a un ritmo más fluido, éste sea probablemente el libro más fácil de leer de la colección. En la primera parte de la obra, Juan Robledo se adentra en un mundo fantástico y mitológico. Donde las historias fantásticas ayudan a descontextualizar la rutina diaria del escritor -y del lector-. Aparecen personajes de mundos tan diferentes como Loki del Ragnarok, un hombre lobo con problemas con sus suegros o unos cavernícolas con problemas para pagar las facturas. En la segunda parte, el autor pasa a recontextualizar el mensaje en un mundo más cercano, incluso 'de barrio'. Con palabras bien escogidas y un humor sutil, el lector es capaz de disfrutar de una lectura inteligente y diferente.